<번지점프를 하다>가 초연 1년 만에 재공연을 시작했다.
정적인 긴장감이 팽팽한 작품으로, ‘사랑이란 무엇일까’ 하는 이야기인데, 이상주의적 관점에서 이만한 사랑 이야기는 드물다. 음악적으로 서양 사람과는 다른 감성이겠지만, 한국 사람, 아시아적 입장에서 이만한 작품 나오기 힘들고, 대본은 웬만한 서양 뮤지컬보다 정교하다. 그런 의미에서 <번지점프를 하다>는 어느 작품과 견주어도 높은 수준에 올랐다고 자평한다.

초연과 달라진 점은 무엇인가.
초기 의도대로 대본을 정리해보고 아주 단순한 캐릭터 분석을 버렸다. 이를테면 아내는 무조건 처량하고 불쌍한 사람이라든지, 학생들의 반항 모습이 선생님들을 향해 거칠게 발산한다는 식은 아주 뻔한 캐릭터 아닌가. 또 인우와 태희의 관계성이 훨씬 좋아졌고, 현빈에게 왜 인우가 태희로 보이는가 등의 플롯 배치도 다시 했다. 주옥 같은 영화 대사를 정리해서 다시 넣는 등 이야기 자체는 더 영화에 가까워졌으나 영화와 뮤지컬이 다른 건, 무대적인 상상력을 통해 과거와 현재를 계속 교차하며 관객들에게 보여주고 있다는 것이다. 개그가 아님에도 불구하고 빨려 들어가는 그 지점을 놓치지 않았다고 생각한다.

<번지점프를 하다>는 개발부터 공연까지 5년 이상이 걸린 창작극이다. 오랜 시간 동안 위험요소를 안고 개발을 지속한다는 건 쉽지 않은 일이다.
뮤지컬 대본이 너무나 좋아서 꼭 하려고 했다. 철학적인 뮤지컬이지만 통속적 관점에서 관객들에게 한 방을 주고 있었고, 그걸 꼭 보여주고 싶었다. 손해만 좀 덜 본다면 <오, 수정> 같은 영화도 뮤지컬로 할 수 있다. 의미 있는 작업일 뿐더러 대단한 러브스토리를 해 보고 싶었고, <번지점프를 하다>는 대단한 러브스토리다.

해븐 작품 중 로맨틱 코미디물 보다 독특한 소재와 주제의 작품이 더욱 많기도 했다.
<스위니 토드>가 독특한 주제를 갖나? 그것 보단 남다른 구조를 가진 작품이라 할 수 있고 그런 작품을 좋아한다. 내년에도 하지만 <스위니 토드>는 정말 명작이 무엇인가를 보여준다고 생각한다. 한편으로는 제작자들도 정말 자기가 원하는 게 무엇인가 생각해 봐야 한다고 생각한다. 지금은 몰개성인데, 뭐가 좋다더라, 하면 다들 그쪽으로 몰린다. 다양성이 펼쳐진다면 관객들도 그 다양성에 흡수가 된다. 또 배우들도 자기에게 어울리는 작품을 찾아간다면 모두가 좋을 것이다.

흥행을 생각해 현재 대중의 기호를 예측하고 작품을 선정할 수도 있지 않은가.
작품, 음악에 공감을 하니까 그런 작품을 선택한 건데, 내 스타일이 트렌드를 따르는 쪽이 아닌 거다. 우리나라 영화도 똑같지 않나. 블록버스터 아니면 영화관에 걸리기 힘들어졌고, 예전 같으면 히트 칠 영화들이 이제는 예술관에서 한다. 공연도 영화 같이 굉장히 빨리, 짧은 호흡으로 가게 됐다. TV 드라마도 경쟁 체제로 가니 트렌드를 좇고 막장으로 가지 않는가. 이건 정말 전 세계에서 한국 밖에 없는 현상이다. 뭐라 할 수도 없다. 그러나 공연이 그래야 한다는 것에 난 동의하지 않는다. 트렌드를 좇았다면 <쓰릴 미>도 만들 수 없었을 거다.

공연은 음미하는 것

흥행이 되지 않을 것을 감안하고 제작한다는 뜻인가?
각오하고 한다. 김밥집이 많지만 하나도 차별화가 안 된다. 신선한 재료를 쓴다든지 조금만 맛있게 하면 훨씬 다르게 만들 수 있는데 안 그런 이유가, 김밥 먹는 사람들은 배가 고프니 얼른 가서 먹을 뿐, 맛을 음미하진 않기 때문이다. 그러나 공연은 음미하는 거다. 사람은 오감을 갖고 태어났는데, 가령 음식이 알약으로 대체된다면 그 오감이 없어지는 것이고, 그렇다면 사람들의 정서가 다 죽지 않을까? 공연도 마찬가지다. 오감이든 육감이든 공연도 음미하는 것이나 어느 새 그 음미의 요소가 사라지지 않았나, 생각이 든다.

획일화 된 상황에서 많은 것들이 보여지니 관객들도 몹시 헛갈리고 있는 게 아닐까. 이런 상황이 왜곡되면 ‘럭셔리’로 가는 것이다. 지금 공연이 딱 그렇다. 비싸고, 무조건 큰 극장, 아이돌이 나와야 좋은 작품이란 생각을 한다. 이런 트렌드를 따라가야 하는가, 안 따라가야 하는가, 고민하지 않는다. 어차피 난 따라가는 사람이 아닌 걸 아니까. 내가 하고 싶어서 하는 거니까.

<쓰릴 미>는 트렌드를 만든 작품이 되었다.
이거 좋네, 재밌네, 하고 만든 거지 흥행이 될 것 같아 만든 건 아니었다. 단지 흥행이 되다 보니 이후에 다 그런 코드만 가는 게 문제인 거다. 그렇게 쓰는 작가가 문제다. 될 만한 작품을 쓴다는 게 말이 되나? 모든 이야기가 보편타당하고 새로운 게 없다지만, 그걸 어떤 호흡으로 썼는가가 중요하지 않을까?


뮤지컬 <쓰릴 미>(왼쪽)와 <번지점프를 하다>(오른쪽)
<쓰릴 미>는 시즌을 거듭하며 자극적, 혹은 지나치게 관객들을 의식한다는 비평도 있었다.
그런 적 없다. 단지 마케팅 팀에서 그런 설문조사를 하기도 하고 연출의 해석이 그렇게 한 것이 있긴 하다. 키스 장면을 너무 강화한 점도 있는데 그게 싫어서 나중엔 그러지 말자고 했다. 하지만 연출의 모든 걸 프로듀서가 통제할 수는 없으니 큰 그림에 만족하고 넘어가야 한다.

쿠리야마 연출의 공연이 개인적으로 가장 좋다. 자주 하는 비유인데, 사람을 죽이는 방법도 여러가지가 있다. 괴성을 지르면서 칼로 사람을 20분간 찌를 수도 있지만, 총으로 쏘면 5초 만에 지나가기도 하지 않나. 전자는 모두가 공포에 눈이 돌아갔을 때, 전쟁 중에나 그렇게 하는 거다. 침착하게, 혹은 야비하게 살인을 할 때는 조용히 있다가 손들어, 빵, 아니면 씨익 웃는, 그런 거다. 요즘엔 사람들이 뭐든지, 음악으로 치면 포르티시시모(fff; 매우 더 크게)만 좋다고 한다. 너무 크든가 너무 작든가, 중간은 없다. 뮤지컬이든 연극이든 그 자연스러움을 대본에서 찾아야 하고, 유명해진 작품들은 다 강약 조절이 잘 되어 있기 때문이다. 쿠리야마 연출이 그런 강약 조절을 제대로 하는 분이라 생각한다.

연출가를 비롯, 해븐 작품의 스텝들 중 국내 널리 알려지지 않은 사람들이 많다. 적절한 사람을 찾기가 쉽지 않을 것 같은데.
함께 일을 하면서 스텝들과 서로 신뢰를 쌓아가고, 소개도 받는다. 소개해 주는 사람들은 자기 신뢰도 있기에 아무나 추천하지 않는다. 그리고 나 역시 워낙 해외에서 공연을 많이 보니까, 이 작품엔 어느 스텝이 하면 좋겠다, 누가 하면 좋겠어, 하고 생각한다.

유명한 사람들과 작업해서 A부터 Z까지 그들에게 맡기면 편할 수 있다. 그러나 그 사람 스타일에서 벗어나지 않아서 우리가 원하지 않는 방향으로 간 경우도 많았다. 큰 방향에서 문제 없게 만든다면 세부적인 건 우리가 포기하지만, 아주 중요한 건 포기하지 않는다. 자기만의 색이 있다고 항상 같은 스타일로 한다는 건 정말 위험한 일 아닐까. 로맨스면 로맨스가 나와야 하고, 코미디면 코미디가 나와야 하는 거다.

몰개성이 문제, 자신의 취향이 무엇인지 알아야 해

해외 신작, 화제작들이 짧은 시간 내에 국내 소개되고 있다. 공연 라이선스를 얻기 위한 국내 제작사들끼리의 경쟁이 무엇보다 심하다고 들었다.
너무 많은 사람들이 동시에 몰린다는 게 문제다. ‘저게 된다’에 치중하는데, 쉽게 말하면 대부분 자기의 개성이 없다는 거다. 누구나 다 아는 작품이면 큰 작품이든 작은 작품이든 굉장히 짧은 기간에 확 들어온다.

또 우리들끼리의 싸움이 정교하지 않다. 다들 계산을 하고 들어오면 늦기 때문에 일단 발을 들여놓고 시작하고 그 다음에는 끌려 다닐 수 밖에 없는 거다. 나 나름의 원칙이 있어 설득을 해 가는 과정이 필요한데, 지금은 상대를 설득하려고 하면 바보가 된다. 미국에 있는 수 많은 권리자들은 더 (라이선스 비용을) 준다고 하는 사람이 나타나면 그쪽과 하면 되니까. 이건 배우들 개런티 올라가는 것과 똑 같은 거다.

이를테면?
미국은 서로에게 의무와 책임을 정교하게 짜서 배우든 스텝이든 브로드웨이 노조에 가입해야 하고, 가입한 사람들 안에서 등급과 규칙이 다 있다. 주역은 (개런티가) 얼마, 오프 주역, 단역은 얼마, 이런 게 다 있고 서로 지키고 지켜준다. 우리는 그런 원칙이 없으니 배우나 주변 사람들이 작품을 보지 않고 좌석 규모가 크면 거기에 몰린다. 배우들도 자기 성향을 찾아 자신과 맞는 작품을 해야 한다. 아이돌 매니지먼트들도 작품에 대한 열정과 관심보단, 완곡히 이야기 하자면 공연을 새로운 수입원으로 보는 것 같다. 불과 몇 년 전에 비해 주연 개런티가 너무나 많이 뛰었다.

아이돌 누가 출연한다고 하면 제작자는 공연 표 팔아서 제작비를 메우려 하고, 국내 몇 안 되는 투자자들은 출연자 보고 투자하는 것이다. 모두 기회비용에 묶이게 되는 거다. 덕분에 티켓 값이 올라가고 관객들 역시 그 기회비용을 짊어지게 된다. 현재 그런 게 계속 반복되고 있다. 올해, 내년이 나뿐만 아니라 제작자들에게 최악일 것이다.


주원, 강하늘 등 해븐 작품을 통해 데뷔한 배우들 중 크게 성장한 사람들이 많다. 오디션에서 특별히 보는 조건이 있는가?
기본적으로 목소리가 있는 배우들을 뽑으려고 한다. 단순하게 노래를 잘한다는 거 말고, 소리의 때깔을 보는 거다. 그게 개성이다. 그리고 그 사람의 언어구사 능력에서 정감이 가는가, 정이 가는 목소리인가를 보는데 그게 매력이기 때문이다. 또 우리 작품 중 젊은 배우가 필요한 작품이 많다. 개인적으로 성장 드라마를 좋아해서 그런 작품을 많이 하게 되었는데 그래서 남들이 관심을 안 갖는 애들에 우리는 관심을 많이 가진다.

2010년에 비영리극단 ‘노네임씨어터’를 만들었다.
뮤지컬해븐 이름으로 연극을 하기도 했고 앞으로도 계속 그렇게 할 수는 있지만 더욱 집중하고 몰입하자는 뜻에서 만들었고, 실제 몰입도도 높아졌다. 하지만 여전히 흑자가 되긴 힘들다. 그래서 비영리극단인가?(웃음) 연극 현실이 그렇다. 연극 티켓 단가가 너무나 낮고 그게 가장 큰 문제다.

지난 해 공연한 노네임씨어터 제작, <필로우맨>은 매진을 기록하지 않았나.
그래도 적자가 났다. 2만원씩 받아서 어떻게 돈을 버나. 누구를 탓하는 건 아니지만 대학로가 너무나 트렌드로만 간다. 할인 티켓도 많이 생기고 유통 구조가 무너졌다. 나로서도 고민이 진짜 많다.

신촌에 ‘더 스테이지’ 극장도 운영하고 있다.
신작을 개발하고 잘하는 극단들의 작품을 유치해서 레퍼토리 극단으로 거듭나기 위해서 시작한 건데 결과적으로 안 되었다. 관객들의 눈이 떠지면 발전은 금방 온다고 생각한다. 우리가 약 2년 전부터 ‘더 스테이지’ 이름으로 5~600명의 유료 회원을 관리하고 있는데, 더 퀄리티 있게 관객을 모아보고자 한다. 그렇게 시작된 관객들이 똘똘 뭉치면 5만 명을 움직일 수 있다고 생각한다. 포기하면 결과가 없지 않나. 포기 안 하면 결과는 있을 거라고 생각하는데 솔직히 너무 힘들다.

제작사 해븐의 이름을 보고 작품을 선택하는 관객들이 있다.
제작사 베이스의 팬들, 그게 바로 내가 원하는 거다. 믿고 작품을 볼 수 있는 회사를 만들고 싶다. 공연은 문학 작품과 다를 게 없다. 공연마다 개성이 다르고 극의 조화라는 게 있는데 지금은 짧은 이벤트 문화로 가는 게 안타까운 거다. 결론적으로 관객이 현명해져서 트렌트를 따라가지 말고 정말 내가 좋아하는 것이 무엇인가, 남들 눈치 보지 말고 보고 싶은 것을 선택할 수 있어야 한다. 취향이 생길 때까지는 뭐든 접하기 마련인데, 그러는 과정에서 생각하고 판단하기도 전에 많은 것들이 들어오니 혼란이 있는 것 같다. 그걸 내가 어떻게 할 수 있는 건 아니고, 자연 현상처럼 묵묵히 기다리면서 가는 수 밖에 없다는 생각이다.

앞으로의 계획은?
2015년에 일본 합작으로 <데쓰노트>를 올리려고 진행 중이다. 극장도 확정이 되었고 일본 공연을 먼저 한 다음 한국에서 한다. 그 외에도 지금까지 걸어온 해븐의 길과 다르지 않다. <데쓰노트>도 흥행한 애니매이션이지만 뮤지컬은 또 해봐야 안다. 작품을 잘 만들어야 한다.

글: 황선아 기자(매거진 플레이디비 suna1@interpark.com)
사진: 기준서(www.studiochoon.com)